©2004 г. Л. Мельникова

Данная статья посвящена замечательной коллекции западноевропейской живописи, сформировавшейся в смоленском музее после революции благодаря значительным поступлениям из национализированных дворянских усадеб, собрания Марии Тенишевой, музейных фондов Москвы и Петрограда в 1920-1930 годы. Художественный музей был основан в Смоленске в 1920 году. Экспозиция произведений изобразительного искусства расположилась в здании музея "Русская старина", основанном Марией Тенишевой в 1905 году. Известный коллекционер, Тенишева занималась не только собирательством предметов русского народного быта, но и располагала значительным количеством превосходных работ русских и зарубежных мастеров. Богатая и разнообразная по тематике коллекция зарубежного искусства характеризуется наличием крупных живописных школ и высоким художественным уровнем произведений. Итальянская, голландская, фламандская, испанская, французская и немецкая школы представлены памятниками, датируемыми XV-XX веками. Среди имен фигурируют ведущие европейские художники: Франческо Франча, Бернардо Строцци, Лука Джордано, Сальватор Роза, Иос ван Клеве, Якоб Баккер, Амброзиус Босхарт, Михел Миревелт, Ян Бот, Николас Берхем, Яна Коссирс, Гаспар-Петер Вербрюгген, Давид Тенирс Младший, Франсуа Буше, Луи Гоффье, Клод Жозеф Верне, Франциско де Сурбаран, Генрих Бюркель, Вильгельм Дитрих, Йозеф Антон Кох, Карл Андреас Рутхарт, Иоганн Генрих Шёнфельд, Оттмар Эллигер Младший, Йозеф Грасси, Иоганн Баптист Лампи и другие.

В собрании памятников изобразительного искусства Смоленского музея-заповедника особое место занимает коллекция западноевропейской живописи. В ее основу легли значительные поступления в 1920-30 -е годы из национализированных дворянских имений Смоленской губернии: Дорогобужского, Гжатского, Горецкого, Смоленского уездов, а также из отделения Московского археологического института и Московского музея изящных искусств [1]. Произведения итальянского, голландского, фламандского, французского, испанского, немецкого и австрийского искусства датируются XV-XX веками.

Важную роль в становлении европейской культуры сыграла итальянская живопись, представленная в коллекции рядом замечательных произведений, начиная с эпохи Высокого Возрождения. Передавая величие человеческого образа, художники Ренессанса не забывали об индивидуальности модели, обусловленной характерностью натуры. Это чувствуется в "Портрете ювелира", в котором художник (Бальдуччо да Сиена?) соединил субъективные представления о персонаже с идеями монументального искусства. Автор достиг поразительной гармонии в изображении пространства и на его фоне человеческой фигуры. Архитектонически ясная композиция со строгой выверенностью каждой детали, безупречной логикой построения делает это произведение классическим. Изображение молодого человека отличается мягкой, спокойной грацией, аристократической утонченностью, композиция симметрична и уравновешенна.

Франческо Франча (Франческо Райболини -1450-1514/18) -работал в Болонье в конце XV века. Евангельская сцена Рождества трактована как поклонение младенцу. Мария, Иосиф, пастухи, ангелы, окружив родившегося Христа, молитвенно сложили руки. Их образы полны внутренней сосредоточенности и тихого лиризма, соответствуя совершенному гармоническому ритму: пластическому, колористическому, линейному. Ясность, простота, обобщенность композиции свидетельствуют о тяготении мастера к основам Высокого Возрождения.

Живописные поиски XVII века характеризуются разнообразием стилистических направлений и локальных художественных школ.

Особое место в искусстве этого времени занимает болонская школа, что связано с деятельностью братьев Карраччи. Долго не имевшая особого значения, болонская школа в конце XVI века сыграла важнейшую роль в переходной фазе художественного процесса. Около 1585 года братья Лодовико, Аннибале и Агостиньо Карраччи основали в Болонье "Академию вступивших на правильный путь", дав название целому художественому направлению - "болонский академизм". Они придали совершенно новое значение понятию академизма в искусстве, начав переоценку современных им течений на основе традиций рисунка и колорита мастеров Возрождения.

Лодовико Карраччи (1555-1619) выражал себя в живописи, основанной на контрастах света и тени. Обладая пламенным воображением, художник находит выход своему темпераменту в произведениях на религиозную тему. В "Бичевании Христа" художник изображает Спасителя, подвергшегося избиению и издевательствам римских легионеров. Произведение носит эскизный характер, что не мешает выявлению разнообразных оттенков чувств. Светом и тенью выразительно подчеркнуты сложные ракурсы фигур Христа и его мучителей. Фигуры поражают совершенством форм, образ Христа идеально возвышен.

Деятельность болонской школы стала основой живописи XVII века в Центральной Италии, где работали помимо Карраччи их многочисленные последователи - Гвидо Рени, Доменикино, Карло Дольчи и другие художники.

Гвидо Рени (1575-1642) после смерти Лодовико Карраччи стал фактически главой болонской школы. Его творчество также основано на изучении произведений Рафаэля, Караваджо и памятников античного искусства. Скрытые и тонкие переживания Г. Рени выражены в гармоничных ритмах композиции "Обрезание Христа". Манера письма гладкая и тщательная. [2]

Симоне Кантарини (1612-1648), подражатель Гвидо Рени, хорошо усвоил стиль своего учителя, что придало ценность его произведениям в Италии и главных европейских музеях. "Отдых на пути в Египет" трактует один из самых распространенных в искусстве евангельских сюжетов из жизни святого Семейства. Композиция решена плоскостно, рисунок обобщен. Не исключено, что работа послужила эскизом для фресковой росписи в церкви.

Доменико Дзампиери, прозванный Доменикино (1581-1641) учился у Аннибале Карраччи, переняв классическое, рафаэлевское начало в традиции своего учителя.

Копия одного из шедевров Доменикино "Изгнание из рая" [3] отличается мастерским изображением классического спокойного пейзажа с ясными далями. Произведение поражает холодным блеском палитры, где зеленые, желтые, темно-красные цветовые сочетания выделяются на фоне лазурного неба. Впоследствии пейзажи Доменикино оказали большое воздействие на творчество французского классициста Никола Пуссена.

Некоторое влияние Доменикино испытал римский художник Джованни Баттиста Сальви (1609-1685), прозванный Сассоферато. Его основные произведения - небольшие по размерам. Сальви делал уменьшенные копии с произведений Альбано, Гвидо Рени, Барроччи и особенно Рафаэля. Приятный колорит смоленской "Мадонны" построен на сочетании мягких желтых тонов и ярко-синего цвета плаща Богоматери. С большим искусством употреблена светотень. Особо привлекает выражение очаровательной скромности и благородства в облике мадонны.

Венецианская школа знакомит с произведениями XVI-XVIII веков. Творчество венецианцев, особенно в эпоху позднего Возрождения, связано с замечательными открытиями в области колорита. Композиция картины неизвестного мастера XVI века "Бегство в Египет" построена на тонкой передаче световоздушной среды, объединяющей пространственные планы, тонкой гармонии цветовых оттенков.

О творчестве Пьетро Либери (1605-1687) можно судить по небольшой работе "Мадонна с Христом и Иоанном". Либери находился под влиянием североитальянского маньеризма, течения, следовавшего "красивой манере" и идеальным образцам искусства Ренессанса. С 1643 года работая в Венеции, испытал влияние Веронезе - крупнейшего венецианского колориста.

Смоленская картина отличается красочным колоритом, легким импровизационным письмом, в котором длинный мазок сочетается с работой пятном.

Во 2-м и 3-м десятилетиях XVII века в итальянской живописи складывается стиль барокко на основе академической системы болонцев и искусства Караваджо. Его резкие контрасты света и тени, при умело выстроенной композиции, придавали глубину объемам, создавая мощный драматический эффект. Барокко в живописи предпочитает линии живописное пятно, массу, светотеневые контрасты, с помощью которых и лепит форму.

Одним из крупнейших представителей барокко, работавшим, в основном, в I-й половине XVII века является Бернардо Строцци (1581-1644). Работая в Генуе в первые десятилетия XVII века Строцци знакомится со знаменитыми фламандцами Питером-Паульсом Рубенсом и Антонисом Ван Дейком. "Святая Маргарита" была исполнена в генуэзский период творчества художника. У ног христианской мученицы извивается в предсмертной агонии дракон - олицетворение злых сил и одновременно язычества. Это монументальная, прекрасная по колориту, полная бурного движения картина.

Важное место в итальянской художественной культуре принадлежало неаполитанской школе, сформировавшейся в ХVII веке. Крупным ее представителем считается Лука Джордано (1634-1705). Этот художник прекрасно знал живопись своего времени и Ренессанса, подражал Рубенсу, Рембрандту, свои замыслы воплощал мгновенно, за что был прозван Фа Престо (делает быстро). Виртуозную живописную технику Джордано демонстрирует довольно большая по размерам картина "Принесение во храм" [4]. В основе картины лежит евангельский сюжет о встрече в сороковой день по рождении младенца Иисуса в Иерусалимский храме благочестивым праведником Симеон Богоприимец. Крупные фигуры первого плана Марии, Симеона, Ангела и Странника придают монументальное звучание полотну. Стилистические особенности произведения близки венецианской живописи второй половины XVII века: характерные заостренные профили, руки с длинными пальцами, резкие светотеневые контрасты, сочная фактура письма, богатство цветовых эффектов.

Творчество еще одного неаполитанского художника Сальватора Розы (1615-1673) отражает многообразие тенденций итальянской живописи эпохи барокко. Современники ставили его живопись в один ряд с произведениями Рафаэля, Микеланджело, Пуссена. В природе художник ощущал нечто гибельное и зловещее. В то время как у представителей болонской школы Лодовико Карраччи и его последователей композиции пейзажных фонов спокойны и размеренны, то Роза, напротив, подчеркивает суровый, мрачный характер негостеприимной природы с нагромождением камней и скал, дикие уголки природы: все, что создает настроение романтической таинственности. Таким образом, художник предвосхитил появление романтического пейзажа XIX века. "Пейзаж с водопадом" с изображением падающего по уступам скал бурного потока воды, с облаками, несущимися по грозовому небу - типичный образец этого жанра.

Очередной подъем охватил итальянское искусство с начала XVIII столетия. К этому более всего имела отношение, несмотря на свой упадок, лишь Венеция. Одним из обновителей венецианской живописи считался Джованни Анонио Пеллегрини (1675-1741). Он испытал влияние европейского рококо, но, как художник, сложился в венецианской среде, где смог изучать легкое и утонченное барокко Пьетро Либери, свободную, текучую фактуру и светлый колорит последних работ Луки Джордано. Картина с библейским сюжетом "Юдифь с головой Олоферна" относится, скорее, к поздним работам Пеллегрини, когда форма становится более жесткой и точной, цвет утяжеляется в поисках светотеневых эффектов.

Представление об искусстве северного Возрождения дают ряд произведений нидерландской живописи XV-XVI веков. В экономическом и культурном отношении Нидерланды этого времени - одно из наиболее развитых европейских государств. В раннем XVI веке абсолютная независимость Северной Европы проявлялась в графической ясности и чувстве природы в любом произведении. Нидерландские мастера разрабатывают новые принципы жизненно достоверного изображения. Коллекция нидерландской живописи в музее невелика, но содержит ряд интересных работ.

Тема Марии и Младенца также популярна у нидерландцев, как и у итальянских живописцев, но образ Богоматери на картинах неизвестных художников Северного Возрождения носит менее отвлеченный характер. Небольшая по размерам "Мадонна с Младенцем" неизвестного нидерландского мастера школы Мемлинга датируется концом XV века. Одухотворенный облик Мадонны пронизан ясным гармоничным духом Возрождения. Он ощутим в плавных певучих линиях контура фигуры, спокойном выражении лица, в чистых локальных красках, тонкой моделировке светотенью. Завершенный характер изображению придает необычайно живой, светлый пейзаж за спиной Мадонны, тщательно выписанная словно вышитая листва на деревьях, залитый солнечным светом дом, остроконечная крыша, фигура крестьянина. Все это сообщает облику Богоматери ясно выраженные черты нидерландской женщины.

В первые десятилетия XVI века в поисках новых форм и образов многие из нидерландских художников обратились к изучению искусства итальянского Возрождения, к языку античной классики. На этой основе возникает течение романизма (от латинского слова "romanus"). Ян Госсарт (ок.1478-1539) один из известных романистов. Для воплощения эстетических идеалов, отвечающих духу времени, он стремился к новым художественным принципам, используя наследие классической античности. Но внедрение классических норм в нидерландское искусство, основой которого изначально было непосредственное эмоциональное постижение многообразия жизненных явлений, противоречило национальной традиции, часто приводя к эклектике, что чувствуется в небольшой работе "Святое Семейство".

Утонченность итальянизирующего толка определила характер живописи Антверпена и сформировав такого заметного мастера, как Йос ван Клеве (1464-ок.1540). Его творчество представлено версией картины "Святой Иероним в келье", восходящей к композиции Альбрехта Дюрера. Ван Клеве ближе всего были миланские вкусы, творчество Леонардо да Винчи. Вместе с тем он считался весьма консервативным мастером, близким к традициям готики или XV века, с присущим им драматизмом образов. Св.Иероним - один из отцов церкви, живший в V веке, переводчик Библии с древнего арамейского языка на классический латинский. Образный строй произведения идет от готики и тесно связан с религиозной символикой. Святой Иероним погружен в глубокие размышления о жизни и смерти. Его взгляд отрешен. Его мир - это мир средневекового человека, полный неведомых звучаний, невидимых, внутренне созерцаемых связей. Левой рукой философ указывает на череп - символ смерти. Образу Иеронима около 500 лет, но облик мыслителя современен. Таково свойство картин старых мастеров.

В ходе нидерландской буржуазной революции XVI века происходит разделение страны на Южные и Северные провинции. Их судьбы складываются по- разному. В XVII веке единая нидерландская школа окончательно раздваивается на два самостоятельных русла: голландскую и фламандскую культуру.

Республика Соединенных северных провинций или Голландия - самое передовое европейское государство в XVII столетии. В отличие от Италии в Голландии почти не встречаются религиозные композиции на библейские сюжеты. Это связано с тем, что страна восстала против господства католической Испании, восприняв в основном протестантство. В Голландии расцвел светский стиль, уделявший основное внимание портретам, пейзажам, натюрмортам, повседневной действительности.

Обостренное чувство прекрасного - даже в самом неприметном и будничном - проявилась у голландцев нагляднее всего в натюрморте. Одним из лучших произведений раздела голландской живописи является натюрморт "Десерт", приписываемый художнику круга Вилемма Калфа (1619-1693) Исполнение его свидетельствует о высоком мастерстве живописца. Интенсивный свет из окна резко освещает стоящее у стола кресло, скатерть, изящные драгоценные предметы на столе и изысканные угощения. В полутьме оставлена ниша и темно-зеленая штора. Великолепно передана скрытая "тихая жизнь" вещей, связанная с жизнью человека, его бытом, привычками и вкусом.

В области цветочного натюрморта сыграл исключительную роль Амброзиус Босхарт (1573-1621). Его небольшая работа"Букет в стакане" поражает совершенством деталей, сочетанием натуралистических тенденций XVII столетия с утонченностью маньеризма.

Голландцы оказали мощное воздействие и на развитие пейзажа. Голландский пейзаж отличается прежде всего точным воспроизведением природных особенностей. Художники кропотливо изучали, классифицировали и копировали действительность. В XVII веке большое распространение получило итальянизирующее направление в пейзаже. Широко известны приверженцы итальянской традиции: Ян Асселейн, Ян Бот, Николас Берхем.

Ян Асселейн (1610-1652) одним из первых принес в Голландию чистую и светлую манеру пейзажной живописи в духе Клода Лоррена, став ведущим представителем итальянизированного пейзажа. "Зимний пейзаж" относится к середине 30-х годов XVII века, когда художник обратился к образу родной Голландии, будучи далеко от нее - в Италии. В тонко нюансированных сероватых тонах неба, реки, облаков Асселейн свободно и профессионально передает световоздушную среду, характерную влажность атмосферы. Один из наиболее тонко чувствующих природу пейзажистов XVII века, Асселейн сумел запечатлеть на своих картинах поэтическую гармонию перламутрового и серого - истинных цветов Голландии, где главная роль принадлежит воде и небу.

В XVII веке в Голландии процветало искусство портрета. Михель Миревелт (1568-1641) входит в число наиболее талантливых портретистов, являясь предшественником Рембрандта. Заказчикам Миревелта импонировало поразительное сходство с моделью, любовь к изысканным аксессуарам, тщательное выписывание деталей. На смоленском портрете, приписываемом этому мастеру, изображена дама в строгом темном наряде с тяжелыми украшениями, с высоким накрахмаленным воротником. Она величава и исполнена достоинства. Современного зрителя поражает при этом сохранение целостности образа, сочетание тонкости, правдивости воссоздания действительности с острым чувством красоты. Таково было понимание портретного образа художником, оставившим, по утверждению историков искусства, около десяти тысяч портретов.

Голландец Якоб Баккер (1608-1651) учился у Рембрандта, писал картины на аллегорические и мифологические сюжеты в итальянской манере. Его кисти принадлежит выразительный портрет Иоанна Евангелиста. Художник умело использует прием светотени, усиливая трагизм образа автора Апокалипсиса.

Разделение Европы на католический и протестантский регионы сказалось в искусстве Нидерландов. Провинции юга Нидерландов вошли в состав государства, получившего название

Фландрии (она занимала территорию современной Бельгии). Фламандская живопись XVI-XVII века представляет собою сложное переплетение направлений, тематических и стилистических поисков.

Самым распространенным во Фландрии видом крупного живописного произведения была картина, помещавшаяся над алтарем в католической церкви.К такому типу алтарной картины можно отнести "Поклонение волхвов", принадлежащее кисти Яна Коссирса (1600-1671). Художник учился в мастерской Корнелиуса де Воса, а в 1635 году выполнял декоративные работы под руководством Рубенса, писал произведения для церковных алтарей и монастырей Брабанта. Влияние Рубенса ощутимо в особой динамичной композиции, но колорит более холоден, а острое ощущение светотени сближает Коссирса с Г.Сегерсом и Ф.Ромбоутсом, близкими к караваджизму.

Важное самостоятельное значение во фламандской живописи приобрел натюрморт. В "Натюрморте с цветами" художник Гаспар-Петер Вербрюгген (1664-1730) тщательно и умело воспроизводя цветы, подчиняет композицию декоративной задаче.

Среди поздних фламандских художников наиболее известным был Давид Тенирс Младший (1610-1690). Он, в основном, специализировался на жанровых сценах. Это тонко написанные, красивые по цвету композиции, не лишенные настроения. "Картинная галерея в Брюсселе" -является авторской копией произведения "Леопольд Вильгельм в своей галерее" (1633 г.), находящейся в Венском художественно-историческом музее XVIII век во Франции связывается в нашем представлении со стилем рококо, для которого характерны фривольная интимность сюжетов, хрупкое изящество декоративных форм и светлые легкие краски.

В области декоративной живописи успешно работал Франсуа Буше (1703-1770) - мастер изящной станковой картины. В его работах сформировался основной принцип стиля рококо-изящный декоративизм, подчиняющий себе и тему картины, и ее композиционное построение. Это чувствуется в одной из ранних работ Буше "Сельская жизнь" (ок.1730) [5], являющейся авторским повторением. При отсутствии тонких духовных связей доминирует декоративное начало: цветовые пятна, ритм движений. Картина воспевает деревенскую жизнь, но не носит эротического и сентиментального оттенка более поздних работ Буше. Богатый, нежный, высветленный колорит удачно сочетается со сложной композицией произведения.

В XVIII веке во Франции интересной была также эволюция пейзажа, который из простого украшения превратился в самостоятельный жанр, одновременно реалистический, благодаря наблюдению природы, предромантический, за счет поэтической восприимчивости.

Во второй половине XVIII столетия широкую славу пейзажиста завоевал Клод-Жозеф Верне (1714-1789), изображая реальные архитектурные памятники, морские виды, порты, южные заливы. Верне всегда стремился к достоверности избранного им вида, работая маслом с натуры. Около двадцати лет он провел в Италии, отчасти следуя лирической традиции Клода Лоррена, но без присущей ему условности. Любовь к эффектам заставляла Верне с самой юности разрабатывать тему бури на море. Художника интересовали различные источники освещения, их противопоставление в одной картине, как в пейзаже "Кораблекрушение" , относящемуся к позднему периоду творчества художника.

С Великой французской революцией и эпохой Империи связано возрождение классицистической композиции, любовь к античности, страсть к идеалам красоты и грандиозности. Луи Гоффье (1761-1801) - представитель французского неоклассицизма конца XVIII- начала XIX века. Этот талантливый живописец испытал влияние теоретика классицизма Луи Давида, стилем которого являлось безусловное предпочтение рисунку и линейной, фронтальной, как в барельефах, композиции. В основе картины Гоффье "Ромул и Рем" - лежит легенда о братьях-близнецах, основателях Рима. Согласно мифу, они родились в италийском городе Альба-Лонга у Реи Сильвии -жрицы богини Весты - и бога войны Марса. Брошенные в воды Тибра, они были найдены и вскормлены волчицей, а затем близнецов воспитали пастух Фаустул и его жена Акка Ларенция (Плутарх "Сравнительные жизнеописания" ). Композиция картины строго классична, уравновешенна повторяет композицию живописного эскиза, находящегося в художественном музее г.Пуатье [6]. Создание произведения относится к 1790 году - ко времени второго приезда Гоффье в столицу Италии - Рим.

Ряд картин французских мастеров 2-й половины XIX-начала XX веков свидетельствует об интенсивном развитии жанровой живописи и разработках проблем передачи света, воздуха, атмосферы: Антуан Вийяр (1867 -1934) "Букет цветов", "Бульвар Пик-Пюс в Париже",

Спеллани "Большой фонтан в Версале" (1912), Делюк "Обнаженная модель," Луи Бозиль "Порт Солер", Ало Гюстав (1887-1965) "Молодая толедка".

Испанское искусство XVII столетия, связано с существованием провинциальных очагов культуры- при несомненной значимости королевского двора. Реалистический подход преобладал в творчестве многих художников, затрагивая и жанр религиозной живописи. Это было характерно для Андалусии, в особенности - для Севильи, где моделями персонажей религиозных картин служили простолюдины, что характерно для творчества Франсиско Сурбарана (1598-1664). Работавший для монастырей, художник посвятил себя воспеванию монашеской жизни. Созданные им в Андалусии и Эстремадуре циклы для Ордена милосердия и братства Святого Иеронима, францисканцев и картезианцев были вершиной религиозной живописи. Мастер изображения молитв и душеспасительных сцен, Сурбаран, как никто, умел передать в образах и гармоничном, почти символистическом колорите самую суть истинной веры, что явственно чувствуется и в изображении "Святой Юсты". Образ святой исполнен душевной ясности и детской непосредственности.

Испанец Хуан де Арельяно (1614-1670) создал тип цветочного натюрморта, отличающегося простотой композиционного решения в сочетании с декоративной выразительностью колорита. "Букет в стакане"- одна из лучших работ Арельяно, свидетельствующая о чувстве тонкого лиризма и блестящем живописном мастерстве художника.

Два парных портрета работы неизвестного художника I-й половины XVII века относятся к особому типу официального репрезентативного изображения, сложившегося в это время в Испании. Представители высокой дворянской знати, несмотря на юность - величавы. Контрастом тяжелым костюмам выглядят молодые одухотворенные лица моделей, придающие особую выразительность содержанию парадных портретов.

Собрание немецкого и австрийского искусства входит во временные рамки XVII-XIX веков.

Почти все немецкие художники XVII века, чьи работы представлены в нашем собрании, исходили в своем творчестве от искусства итальянизирующих голландцев. Они часто писали картины, где анималистические сцены близко соприкасаются с пейзажным и бытовым жанром, что было очень распространено в Италии и Голландии. К ним прежде всего можно отнести картины Иоганна Генриха Рооса (1631-1685).

С его творчеством знакомят две подписные датированные картины “Встреча Иакова и Лавана” и "Стадо на пастбище". И. Г. Роос оказался в русле голландских традиций, пройдя обучение в Амстердаме у В.Дюжардена, К.де Би -мастеров итальянизирующего направления. Испытал влияние анималистов К.Дюжардена и Н.Берхема. "Встреча Иакова и Лавана" (1677) повествует о родоначальнике иудейского народа Иакове. Произведение написано легко и свободно, чувствуется прекрасное владение художника приемами светотеневой моделировки. Острота психологических характеристик, спокойные позы, искусная проработка деталей костюмов близки голландским традициям XVII века.

Гораздо более совершенными в композиционном плане и более изысканными по цветовой гамме являются произведения Карла Андреаса Рутхарта (1630- 1703), работавшего в анималистическом жанре. Получив образование в Антверпене, он долгое время жил в Италии, впоследствии став монахом Целестинского монастыря в Аквилее. ”Гепарды, терзающие оленя” (1670) [7]одно из поздних изображений охот, когда художник отдалился от голландского искусства, к которому был близок в ранний период творчества. Тела гепардов, стремительно нападающих на свою добычу, повышенно экспрессивны, предельно напряжены. Рутхарт, подобно фламандцам - великолепный знаток зверей. Прибегая к самым смелым ракурсам, он не нарушает естественной закономерности анатомической структуры животного. В стремительности схватки в традиционную тему врывается элемент фантастического и причудливого. Произведение является совершенным в композиционном плане и изысканным по цветовой гамме: чистые коричневые и песочные тона, зеленовато-серые нюансы оттеняются бледной голубизной неба. Картина была создана в период, о котором отсутствуют документальные сведения, где-то между окончанием работ для князя Карла Лихтенштейнского и пострижением художника в монахи в Риме в 1672 году.

Одним из самых одаренных немецких художников XVII века считается Иоганн Шенфельд (1609 - 1684). Автор рисунков для витражей и фресок Шенфельд испытал влияние П. да Кортоны и Н.Пуссена, с которыми познакомился в Риме, а также венецианских и неаполитанских живописцев, что было типично для немецких художников его времени. Картина “Кладоискатели” [8] написана широкой свободной кистью, выдержана в темно-коричневой и сизо-синей гамме. Действие, перенесенное в ночной пейзаж с античной стеной, создает атмосферу романтической напряженности, подчеркивающую демоническую и таинственную сторону таланта художника.

XVIII век в Германии характеризуется трудными условиями немецкой действительности, отставанием изобразительного искусства, также иностранными влияниями в живописи.

Классификация немецкой живописи XVII-XVIII века с точки зрения общеевропейских стилей барокко и рококо условна, так как речь идет скорее о формальных и художественных приемах, заимствованных в других странах, чем об образной системе, сложившейся в самой Германии.

Оттмар Эллигер Младший (1666- 1735) писал декоративные композиции на мифологические и религиозные сюжеты. Картина "Молодая служанка" [9] более напоминает портрет светской дамы, которому способный живописец придал жанровый характер. Манера письма свободна и изящна, напоминает стиль французского рококо.

Во второй половине XVIII века широкое распространение в Германии и Австрии получила портретная живопись. Немецкие и австрийские портретисты часто работали в России.

Иоганн-Баптист Лампи Старший (1751-1830) прославился на родине в Австрии, прежде чем приехать в Россию. Лампи в совершенстве владел всем арсеналом изобразительных средств, необходимых для создания парадных портретов. “Портрет Станислава Салтыка” свидетельствует о живописном мастерстве и техническом умении художника. Композиция эффектна: польский вельможа изображен в томной манерной позе, типичной для искусства рококо. Мастерски передан бархат плаща, обшитого золотым позументом, голубая атласная подкладка, кружева. Создание портрета относится к 90-м годам XVIII века, когда Лампи жил в Варшаве.

Йозеф Грасси (1757-1865) был не так знаменит как его соотечественник Лампи, но обладал отличной техникой и незаурядным мастерством, пройдя обучение в венской Академии художеств. “Портрет Адама Чарторыжского”- одного из представителей известного польского княжеского рода (1770-1861) создан в 1794 году. Портрет носит камерный характер, выполнен в романтических традициях начала XIX века.

Немецкий портретист Иозеф Фридрих Август Дарбес (1747-1810) известен как живописец и пастелист. Он много путешествовал по Германии, Голландии и Франции.С 1773 работая в Курляндии и для русского двора. С 1785 он переехал в Берлин, позднее став профессором портретной живописи и членом берлинской Академии искусств. “Портрет дамы в зеленом платье” выполнен в 1786 году в лучших академических традициях.

Немецкое искусство XIX века демонстрируют работы Й.-А.Коха, Г.Бюркеля, М.Вагенбауера, Э.Кайзера, Х.Моргенштерна, Б.Штанге, К.Энгеля. Эти художники, кроме Коха, принадлежат к мюнхенской школе живописи и близки к натуралистическому направлению в живописи, а также стилевому направлению "бидермейер" первой половины и середины XIX века.

Йозеф Антон Кох (1768-1839), получивший академическое образование в Штутгарте, большую часть жизни прожил в Риме, явившись основоположником немецко-римского ландшафта. Художник следовал традициям классицизма, вдохновляясь творчеством Н.Пуссена, К.Лоррена, общался с "назарейцами"-представителями первой волны романтизма. В основе иконографии "Пейзажа с жертвоприношением Ноя"(1815 г.) [10] лежит легенда о Всемирном потопе. Миниатюрная работа отличается ясностью построения композиции, сложной пластикой форм, равновесием масс, свойственных классицизму. Картина является единственным авторским вариантом “Жертвоприношения” в российских музеях [11].

Живописец и литограф Макс Иозеф Вагенбауер (1774/5/ - 1829)- одно из самых значительных имен мюнхенской школы, современник немецких романтиков, крупнейший представитель натуралистического направления. Под влиянием И.Г.Рооса и П.Поттера он специализировался на изображении пасущихся стад. Небольшая работа “Пастух со стадом” является одним из многочисленных видов верхнебаварских плоскогорий, отличающимся точным соотношением пространственных планов и света, а также глубиной их передачи.

Генрих Бюркель (1802- 1869) учился в Мюнхенской академии изобразительных искусств. Один из основателей бюргерского реализма в Германии, мастер бытового жанра. Работая преимущественно в крестьянском жанре Бюркель создавал многочисленные варианты картин, включающие чистые пейзажи в соединении с простыми деревенскими сценами. "Сцена у постоялого двора" типична для раннего творчества Бюркеля с характерным изображением крестьянских работ, с прекрасной передачей пространства и атмосферных явлений. В картине чувствуется влияние голландской живописи XVII века, особенно Ф.Воувермана. При этом интерес к предметному миру не доминирует, а органично связан с общей живописной формой. Работа изысканна по цвету, отличается тонким, тщательным рисунком.

Произведения Энгеля ”Украшение невесты”, Каульбаха “Портрет девочки”, пейзажи Кайзера и Моргенштерна, детские портреты неизвестного художника характеризуются правдивым изображением интерьера, природы, бытовых деталей, что было характерно для "бидермейера".

В целом собрание западноевропейской живописи дает цельное представление об основных художественных направлениях, сложившихся в искусстве XV- начала XX веков, знакомя зрителя с неизвестными произведениями многих талантливых зарубежных мастеров.

ПРИМЕЧАНИЯ:

[1] Музейный архив: записи в книгах поступлений СГ(12), СОМ п№ (1), СМИ КП, СОМ.

[2] Картина является уменьшенной копией алтарной картины, созданной Г.Рени на заказ для церкви святого Мартина в Сиене около 1639 года. (Отдел документации музея Лувр: раздел "Итальянская живопись" (цв.репродукция картины Г.Рени "Обрезание")

[3] Оригинал находится в музее г.Гренобль, Франция (ок.1623-1625, медь, масло, 95х 75).

[4] Близкая по композиции, но большая по размерам картина, находится в художественном музее г. Ренн, Франция. Инв.D.55.3.1. Картина была выполнена до пребывания Л.Джордано во Флоренции, то есть между 1675 и 1680 годами. Этим же временем, очевидно, можно датировать и смоленскую картину, являющуюся уменьшенным авторским повторением.

[5] Ранее картина считалась произведением Л.-М.Ванлоо (1707-1771) "Пастораль". Кат. выст. реставрированных произведений. Смоленск, 1979, с.23, № 11. Г.Губа. Краткий путеводитель. Смоленск, 1962, с.8. Кат. VI выст. С. 34-35. VI выст. произведений изобразительного искусства, реставрированных ГЦХНРМ им.И.Э.Грабаря. Москва.1967. В книге А. Аnannoff "Francois Bouscher"(т.1.С.191 ) воспроизведена идентичная смоленской композиция, принадлежащая кисти Ф.Буше - "Сельская жизнь" (ок.1730 г.), находящаяся в частном собрании в Лондоне.

[6] Холст, масло. 10х14 (размеры даны в сантиметрах.)

[7] Ранее находилась в собрании принца Конта, на что указывает надпись на подрамнике: "Collection du prince Konnt," а также номер и знак коллекции №167 F Е в правом нижнем углу. Кат. выставки. Смоленск, 1979. С.53-54, № 46. М.Я.Либман. Неизвестные западноевропейские картины ХVII в. в Смоленском музее.-В кн. ”Памятники культуры. Новые открытия. Ежегодник 1974.” М.,1975. С.384.

[8] Ранее картина приписывалась итальянскому художнику А.Тасси.

4-я выставка “ Реставрация и консервация произведений искусства”. Москва, 1963. А.Зернова. Фотофизические методы исследования произведений искусства - В кн.”Возрожденные шедевры”. М.,1963. С.13-15. Журавлева Л. Ук.соч. С.49. Каталог IV выставки. С.34 (значилась как работа Агостино Тасси). Кат. выставки .Смоленск, 1979. С.54 - 55, № 48. Либман М. Ук. соч. С. 383, илл. С.385.

[9] Труды Смоленских Государственных музеев. Выпуск I. Смоленск,1924. С.109, илл.ХХVI (значилась как работа В.ван Мириса, Лейден, 1662-1747). Журавлева Л. Ук.соч. С.49. Кат. выставки. Смоленск, 1979. С.55, № 49.

[10] СОМ 1060. Дерево, масло. 18,7х23.

Справа внизу подпись и дата GIUZEPPE KOCH TYROLESE fece 1815.

Приобретена А. И. Барышниковым у автора в 1828 в Риме), 1858 - художественная выставка в Мюнхене (владелец А.И.Барышников),1903?- выставка во Франкфурте-на-Майне. Ausstellung. Katalog. Frankfurt am Main. 1903, №743. Jaffe Ernst. Josef Anton Koch.Sein Leben und sein Schaffen. Innsbruck, 1905. S.118. Holst Christian von. J.A.Koch.Ausstellung. Katalog. Stuttgart, 1989. S.73,109. Lutterotti Otto R.von. J.A.Koch,1768-1839.Berlin,1940. S.227. Lutterotti Otto R.von. J.A.Koch.Wien-Munchen,1985. S.307. "Памятники культуры. Новые открытия. Ежегодник 1998" М., 1999. С.292-296.

[11] Пейзаж является уменьшенным авторским повторением картины, находящейся в Художественном институте Штеделя г.Франкфурт-на-Майне, Германия (Инв.№767, 1803. Холст, масло. 86х116)